那些說「憑感覺畫」，
不是他們沒有用理性，
而是他們理性已經內化到變成直覺。
就像一個老司機換檔不需要想：「現在離合器要踩到這裡、油門要加多少」——
他憑「感覺」換檔。
那感覺，是幾千次理性練習之後的結果。
他們的「感覺」，是當年大量練習、試錯、歸納的成果。
理性與感性不是「你要選哪一邊」，
而是：
理性：分析、歸納、建立規則vs 感性：感受、直覺、打破規則
完整的創作者是在兩端來回移動的人。
先把理性學紮實，讓感性有可以站穩的基礎。
如果繪畫完全靠感性，那AI不可能會畫抽象畫
AI不會感覺，卻會畫畫
代表感性可以被歸納的理性結構。
大量被認為是「感性」的東西，其實包含了許多可學習、可統計、可歸納的規律。
但它沒有"產生"|這些經驗的主體。
所以
審美主觀選擇是永遠不會被取代的。
而"選擇"|就來自理性跟感性之間遊走的自由程度
馬諦斯:
創作自由前提奠基於扎實的基礎和嚴格的自我要求。
沒有經過訓練的隨意揮灑不叫自由，那是混亂.隨機；
只有當基本功、色彩理論與構圖原則內化
才能獲得駕馭自如的「自由」。
但一看作品：
「他畫成這樣，怎麼證明基本功重要？
很多人在引用馬蒂斯時，會省略一個前提
馬蒂斯是在擁有寫實能力之後，選擇不寫實。
他追求的自由，是建立在長期訓練之上
寫實能力不是藝術的終點；
而不是：沒有寫實能力，所以主張不寫實。
就像爵士樂老師說：「音階不是音樂。」
但一個學生因此認為：「那我不用練音階了。」那就完全誤解了。
另一種可能又產生一種誤解
"非寫實.寫意.抽象是凌駕在寫實藝術之上。"
如果理解成：
寫實 → 簡化 → 抽象 → 自由
那隱含的價值判斷就是：抽象比寫實高級。
但藝術史其實不是這樣發展的。
藝術史並並非階級鏈
寫實 → 印象派 → 馬蒂斯 → 抽象 → 最高境界。
它比較像一棵樹
例如
Anders Zorn一生都在研究寫實人物。
Joaquin Sorolla直到晚年仍然在追求光線的真實感。
他們並沒有走向抽象.也沒有認為不自由。
真正的問題不是：「寫實或抽象誰比較高級？」
而是：「找到最適合自己的語言？」
如果用音樂比喻：
馬蒂斯像爵士即興。
薩金特像巴哈。
是不同的系統。
藝術史告訴你
自由的終點可能是：
真正的重點是：
畫得像不是終點，畫得不像也不是終點
你理解自己為什麼這樣畫。
有個學生問一個畫家"想學畫畫該不該從臨摹開始？畫家說非常不建議!!."
嗯，...我從小就是從臨摹畫畫開始學的。
如果因為有人說"不該臨摹".就不臨摹了，
那不也是臨摹了別人的的想法嗎？ 。
人類學習本來就建立在模仿上。
語言是模仿
走路是模仿
音樂是模仿
電影分鏡是模仿
漫畫鏡頭也是模仿
「我要有自己的風格」這句話，
很多時候也只是臨摹“原創”的價值觀。
真正的問題從來不是：
「可不可以臨摹」
而是：你是怎麼臨摹？
反對臨摹，其實是在反對：
無意識複製
永遠只會照著畫
不分析
不理解結構
不轉化成自己的語言
這種「影印機式臨摹」。確實危險。
但高階學習幾乎都靠臨摹。
像：
古典畫室一直都在臨摹
日本動畫師會拆原畫
漫畫家會研究分鏡
爵士樂手抓譜
差別在於：
「理解對方為什麼這樣畫」
最近一直在研究的：
負形
構圖
空間
格式塔
鏡頭節奏
其實就是從「抄外表」到研究視覺運作原理。
反而太早追求「原創」，會進入一種很奇怪的狀態：
沒學過經典
沒研究結構
沒吸收語言
卻急著“做自己”
用有限的能力，反覆畫出同一種東西。這其實不是原創
消化大量影響之後，
自然殘留下來的東西。才慢慢變成自己的語言。
臨摹是「輸入」
創作是「重組」
風格是「長期累積後的副產品」
而不是：「不要被影響」。
寫生時，用幾何、簡單形狀構圖，畫出來的作品比較寫意。
學生說「這樣畫跟小孩子畫的好像ㄟ~~」——
表面看起來很像，但本質不同。
控制不了 vs 控制之後再放鬆
畫得開心就好
只有在你還沒有報名畫畫班、單純塗鴉、沒有看社群媒體、也沒有去跟別人比較的時候，
才會成立。
這基本上是一種心靈雞湯。
就是在你發現自己學了好幾年都沒有進步的時候，老師把這句話拿出來，讓你繼續下去。
純粹「快樂地畫畫」，只有在你不需要學習、不需要進步時才存在。
就像小孩子在公園玩沙、在牆壁上塗鴉、在操場上奔跑，可以單純地享受快樂。
一旦去才藝班，去比賽、要求他進步，那個單純快樂的狀態就會被改變。
也就是說，一旦你設定了目標，大腦就會以「滿足目標」作為快樂的動力。
換句話說，一旦你開始認真學習一件事情，進步才是你快樂的動機，
而不是單純做那件事情本身。
一旦有了獎賞機制、競爭意識，或是有目的地去做一件事，
你要做的就不再只是單純地執行，而是要設法拆解達成目標所必須滿足的條件。
一般人學畫畫起初是為了快樂，因為繪畫過程本身很有趣。
直到報畫畫班.，畫了幾年卻發現自己毫無進步，都在同樣的地方打轉。
這時，你不但不會感到快樂，反而會覺得自己在浪費時間。
成人學畫畫不像小孩子一樣——小孩沒時間壓力、成本壓力，沒有明確的動機與目的；
大腦改變做這件事的動機，心態就隨之改變。
除非你能讓自己開悟、放下，回到那個單純享受過程的心態。
就像一個住在非洲大草原的人，去大都市住了一陣子、享受過都市的便利後，
回到草原，完全忘記大都市生活的便利。
有了學習進步的動機——就很難再享受單純的快樂了?
因人而異!
自己是一旦進入學習狀態，就會希望學習是有所回報的。
「快樂畫畫」很寶貴，
但成人沒辦法在這種心態下持續太久。
一旦持續了2.3年發現自己沒有進步，反而會陷入消極沮喪的心態，
所以我的教學宗旨：用最有效的方法學會畫畫。
因為「快樂」不是我可掌控的，但我可以分享如何練習比較有效率。
很多老師不希望同學臨摹畫得跟他一模一樣。
這件事情對很多初學者來說，反而會產生失去方向的感覺，就像一個還不會音階、還不會單字的學生，突然要他來作曲或寫作。
其實臨摹是有方法的，
要「有目的性」地去臨摹，而不是單純追求把圖複製得一模一樣。
取決於每個人追求畫畫的目的與動機，來決定練習的強度。
就像運動一樣，我不會花兩三個小時去跑馬拉松或做重訓，
我每天就做我能做的超慢跑 30 分鐘。
強度不是重點，重點在於持續，以及做有效的練習。
寫生和看照片畫，最大的不同在於：
寫生可以從多個角度觀察，而照片只有一個角度。
很多人會覺得：「那寫生不是更難嗎？」
其實剛好相反。
照片已經幫你決定好了視角、透視、比例和構圖。
只要有任何一條線沒有按照照片的角度去畫，畫面就會開始變得奇怪。
寫生不一樣。
當你面對真實的物體時，
沒有哪一個角度是唯一正確的。
你可以往左看一點、往右看一點，
甚至調整視線的高度。
每一個角度，都可以成為一張畫的可能答案。
不再是「對不對」，
而是怎麼把形狀安排在畫面上，讓它看起來和諧、有節奏。
照片看起來好像比較簡單，
但它其實把你限制在一個固定答案裡。沒有更簡單
照片很適合深入練習。
但如果想學構圖.歸納過濾複雜的資訊，，
還是要回到寫生。
因為只有在寫生的時候，
你才會面臨時間、氣候、場地的限制環境下，
鍛鍊自己的眼睛與大腦
去簡化概括
