濃度vs明暗vs飽和度

 

試試看
用調色盤上最暗的顏色
把一張紙塗到最深
再用新鮮的顏料再試一次 應該就能看出差異

如果無法把顏色畫
就無法把紙畫暗.畫鮮豔
(乾掉後透出紙張白色.顏色就變淺.)
而關鍵就是濃度

當用乾掉的顏料+水
濃度就不夠了
如果搞懂這個問題，就不會再去糾結到底透明水彩or不透明水彩

那麼塊狀顏料呢?
那又是另一個問題...

自由的畫畫 &畫畫的自由

 

不久前
參加一個寫生活動，
旁邊一個小女生，
穿着漂亮的衣服，有人幫忙撐傘。 拿畫具..
看來家境不錯~~

這媽媽
一直提醒 要先打草稿.要怎麼畫建築..
感覺是學過畫的樣子...~
小女生應該幼稚園大班或者是小學一年級..
一直說不知道怎麼畫~...........
剛開始媽媽一直鼓勵.指導..
少不了一些..嚴厲的提醒..><
""不要畫什麼什麼!!..不可以用橡皮擦!!
不要blablabla!!  要先畫什麼什麼!!"

旁邊我聽了也很緊張....
大概不到 10 分鐘
女孩說:我不想畫了~~~"
媽媽說，"不畫不畫..那走吧，以後都不帶你來畫了!!"
不知道這會不會
無意間熄滅了小朋友想自由畫畫的念頭?
但我相信在這種環境下.即使畫畫也只會偷偷的畫..
因爲感覺不管怎麼畫，大人都不開心..不滿意，而且會批評~~

我想到小時候
家庭雖不算窮困，但也沒有好到讓我去學畫畫
畫畫這個事情.不會去指導也不會禁止
慢慢才知道
不干涉就是一種最好的畫畫環境
能自由畫畫，不需在意別人的眼光，不在意別人的批評...
不管對大人還是小孩
都是一種奢侈
無價

適合初學者嗎

常被問到的問題：這個適合初學者嗎？

這個問題有簡單的答案，但慢慢教學、學習的過程發現仔細推敲，它其實可以上升到哲學的程度——跟相對論、量子力學一樣，沒有百分之百精確的答案。
回答誰、問誰，會得到不同的答案。

先定義什麼叫「初學者」

以前我對初學者的定義是：能用水彩畫出方塊、圓形、三角形、直線、曲線、明暗灰。
後來發現，這個定義連我自己都做不到。
所以我即使畫了十年水彩，還是覺得自己是初學者——。

或許抱持學習心態的人都適用「初學者」。

「一堂課可以畫幾張作品？」

這些疑問，大多是站在消費者心態：錢花得值不值？能不能得到回報？

也可以先定義什麼叫「作品」?。

用一個既定印象去想像——上課複製出一模一樣的東西，

就像逛街看到商品買回家，差別在於是 DIY 做出來的?。

回到最初學畫畫的心態

我一開始也是先看到某張作品，想複製一樣的成品就好——
就像學樂器想彈出一樣的歌、學料理想做出一樣的菜。
動機都是「複製」。
而畫畫.複製這件事.不像化學實驗，精準量化，就能得到一模一樣的結果——。

所以先不要用「複製」的心態去畫，才不會把「沒複製一模一樣」當成失敗。

科學實驗結果差很多會人命；
但畫畫卻"可能"會產生驚喜的結果，
所以畫畫只需要好奇心

複製之後，追求的是想法

複製能力到一定程度、技術到一定程度後，就會開始追求觀念的進化。
會希望知道老師到底在想什麼——
怎麼把眼前的景象轉換成畫面上的形狀與色彩。
明暗跟色彩都轉換了，反而變得更好看?
為什麼老師會做這種選擇？
後來才知道，原來這就是「構圖」、布局、動線。

還牽涉到人類大腦認知圖像的機制、物理世界，以及光學...。
理解得越多，就發現畫畫不只是在學「畫畫」這件事，

解謎遊戲.不是找標準答案

不要尋找標準答案，而是當成多重解答的解謎遊戲：
除了「單純複製」——這種解法。還有哪些？
為什麼我會被這張畫吸引？畫這張畫的人在想什麼。去猜.去嘗試
找出適合你、自己喜歡的那個答案。

初學者到底適合什麼？

一個方向：用形狀、明暗、色彩分析你眼前看到的所有景象。

不去想「這是海、這是船」，去想「這是暖色、那是冷色」「這是三角形、那邊是方形」

至於這張畫最後長什麼樣子，就只是各階段的一個紀念品
或許回頭看十幾年前的第一張畫，畫得真的很爛，
勾起當時的心情——想到「哇，畫成這樣居然自己覺得很厲害」的心情..
像時光膠囊一樣.讓大腦把當時的感受重新生成一次。
這就是超值的收穫。

理性 vs 感性

 

那些說「憑感覺畫」，
不是他們沒有用理性，
而是他們理性已經內化到變成直覺。
就像一個老司機換檔不需要想：「現在離合器要踩到這裡、油門要加多少」——
他憑「感覺」換檔。
那感覺，是幾千次理性練習之後的結果。

他們的「感覺」，是當年大量練習、試錯、歸納的成果。
理性與感性不是「你要選哪一邊」，
而是：
理性：分析、歸納、建立規則vs 感性：感受、直覺、打破規則

完整的創作者是在兩端來回移動的人。
先把理性學紮實，讓感性有可以站穩的基礎。

如果繪畫完全靠感性，那AI不可能會畫抽象畫
AI不會感覺，卻會畫畫
代表感性可以被歸納的理性結構。
大量被認為是「感性」的東西，其實包含了許多可學習、可統計、可歸納的規律。

但它沒有"產生"|這些經驗的主體。
所以
審美主觀選擇是永遠不會被取代的。
而"選擇"|就來自理性跟感性之間遊走的自由程度

創作自由

 

馬諦斯:

創作自由前提奠基於扎實的基礎和嚴格的自我要求。
沒有經過訓練的隨意揮灑不叫自由，那是混亂.隨機；
只有當基本功、色彩理論與構圖原則內化
才能獲得駕馭自如的「自由」。

但一看作品：
「他畫成這樣，怎麼證明基本功重要？
很多人在引用馬蒂斯時，會省略一個前提
馬蒂斯是在擁有寫實能力之後，選擇不寫實。
他追求的自由，是建立在長期訓練之上
寫實能力不是藝術的終點；
而不是：沒有寫實能力，所以主張不寫實。

就像爵士樂老師說：「音階不是音樂。」
但一個學生因此認為：「那我不用練音階了。」那就完全誤解了。
另一種可能又產生一種誤解
"非寫實.寫意.抽象是凌駕在寫實藝術之上。"
如果理解成：

寫實 → 簡化 → 抽象 → 自由
那隱含的價值判斷就是：抽象比寫實高級。
但藝術史其實不是這樣發展的。

藝術史並並非階級鏈
寫實 → 印象派 → 馬蒂斯 → 抽象 → 最高境界。
它比較像一棵樹

例如
Anders Zorn一生都在研究寫實人物。
Joaquin Sorolla直到晚年仍然在追求光線的真實感。

他們並沒有走向抽象.也沒有認為不自由。

真正的問題不是：「寫實或抽象誰比較高級？」

而是：「找到最適合自己的語言？」

如果用音樂比喻：
馬蒂斯像爵士即興。
薩金特像巴哈。
是不同的系統。
藝術史告訴你
自由的終點可能是：

• 寫實主義
• 印象派
• 表現主義
• 抽象藝術
• 漫畫
• 插畫
• 水彩寫生
• ai數位藝術

真正的重點是：
畫得像不是終點，畫得不像也不是終點
你理解自己為什麼這樣畫。

不該臨摹

有個學生問一個畫家"想學畫畫該不該從臨摹開始？畫家說非常不建議!!."
 嗯，...我從小就是從臨摹畫畫開始學的。
如果因為有人說"不該臨摹".就不臨摹了，
那不也是臨摹了別人的的想法嗎？ 。

人類學習本來就建立在模仿上。

• 語言是模仿

• 走路是模仿

• 音樂是模仿

• 電影分鏡是模仿

• 漫畫鏡頭也是模仿

「我要有自己的風格」這句話，
很多時候也只是臨摹“原創”的價值觀。

真正的問題從來不是：
「可不可以臨摹」

而是：你是怎麼臨摹？

反對臨摹，其實是在反對：

• 無意識複製

• 永遠只會照著畫

• 不分析

• 不理解結構

• 不轉化成自己的語言

這種「影印機式臨摹」。確實危險。

但高階學習幾乎都靠臨摹。

像：

• 古典畫室一直都在臨摹

• 日本動畫師會拆原畫

• 漫畫家會研究分鏡

• 爵士樂手抓譜

差別在於：

「理解對方為什麼這樣畫」

---

最近一直在研究的：

• 負形

• 構圖

• 空間

• 格式塔

• 鏡頭節奏

其實就是從「抄外表」到研究視覺運作原理。

反而太早追求「原創」，會進入一種很奇怪的狀態：

• 沒學過經典

• 沒研究結構

• 沒吸收語言

• 卻急著“做自己”

用有限的能力，反覆畫出同一種東西。這其實不是原創

消化大量影響之後，
自然殘留下來的東西。才慢慢變成自己的語言。

• 臨摹是「輸入」

• 創作是「重組」

• 風格是「長期累積後的副產品」

而不是：「不要被影響」。

顏色不用背，只要做判斷

 

因為常常是調色盤上面顏色加冷一點加暖一點

並不是從完全乾淨的實驗室用試管.固定的混合比例，
當學生問老師這顏色是哪一個加哪一個？

根本說不清楚，或者說，你說清楚也沒用

這個是初學最容易搞混的
"想要調出某種顏色"，
就像以為一定要有絕對音感才能夠玩音樂。

顏色都是相對的，你調出任何顏色都沒有用，關鍵是放在畫面上跟其他顏色的相互關係，才造就了你的一張畫。

所以不要相信某些行銷話術「XXX最漂亮的顏色」，或是「某某大師都用這個顏色」。

如果用某個顏色就可以畫出好看的畫，那不是滿大街那個顏色漂亮的作品嗎？
但並沒有這種現象。

要去觀察顏色直接把它放畫面上感覺是太冷還太暖?太亮還太暗?
就像那個猜價錢的節目一樣：高一點、低一點。

一次次的鍛鍊眼睛跟手
最重要的是大腦做判斷~~不要用死背