寫生時，用幾何、簡單形狀構圖，畫出來的作品比較寫意。
學生說「這樣畫跟小孩子畫的好像ㄟ~~」——
表面看起來很像，但本質不同。
控制不了 vs 控制之後再放鬆
畫得開心就好
只有在你還沒有報名畫畫班、單純塗鴉、沒有看社群媒體、也沒有去跟別人比較的時候，
才會成立。
這基本上是一種心靈雞湯。
就是在你發現自己學了好幾年都沒有進步的時候，老師把這句話拿出來，讓你繼續下去。
純粹「快樂地畫畫」，只有在你不需要學習、不需要進步時才存在。
就像小孩子在公園玩沙、在牆壁上塗鴉、在操場上奔跑，可以單純地享受快樂。
一旦去才藝班，去比賽、要求他進步，那個單純快樂的狀態就會被改變。
也就是說，一旦你設定了目標，大腦就會以「滿足目標」作為快樂的動力。
換句話說，一旦你開始認真學習一件事情，進步才是你快樂的動機，
而不是單純做那件事情本身。
一旦有了獎賞機制、競爭意識，或是有目的地去做一件事，
你要做的就不再只是單純地執行，而是要設法拆解達成目標所必須滿足的條件。
一般人學畫畫起初是為了快樂，因為繪畫過程本身很有趣。
直到報畫畫班.，畫了幾年卻發現自己毫無進步，都在同樣的地方打轉。
這時，你不但不會感到快樂，反而會覺得自己在浪費時間。
成人學畫畫不像小孩子一樣——小孩沒時間壓力、成本壓力，沒有明確的動機與目的；
大腦改變做這件事的動機，心態就隨之改變。
除非你能讓自己開悟、放下，回到那個單純享受過程的心態。
就像一個住在非洲大草原的人，去大都市住了一陣子、享受過都市的便利後，
回到草原，完全忘記大都市生活的便利。
有了學習進步的動機——就很難再享受單純的快樂了?
因人而異!
自己是一旦進入學習狀態，就會希望學習是有所回報的。
「快樂畫畫」很寶貴，
但成人沒辦法在這種心態下持續太久。
一旦持續了2.3年發現自己沒有進步，反而會陷入消極沮喪的心態，
所以我的教學宗旨：用最有效的方法學會畫畫。
因為「快樂」不是我可掌控的，但我可以分享如何練習比較有效率。
很多老師不希望同學臨摹畫得跟他一模一樣。
這件事情對很多初學者來說，反而會產生失去方向的感覺，就像一個還不會音階、還不會單字的學生，突然要他來作曲或寫作。
其實臨摹是有方法的，
要「有目的性」地去臨摹，而不是單純追求把圖複製得一模一樣。
取決於每個人追求畫畫的目的與動機，來決定練習的強度。
就像運動一樣，我不會花兩三個小時去跑馬拉松或做重訓，
我每天就做我能做的超慢跑 30 分鐘。
強度不是重點，重點在於持續，以及做有效的練習。
寫生和看照片畫，最大的不同在於：
寫生可以從多個角度觀察，而照片只有一個角度。
很多人會覺得：「那寫生不是更難嗎？」
其實剛好相反。
照片已經幫你決定好了視角、透視、比例和構圖。
只要有任何一條線沒有按照照片的角度去畫，畫面就會開始變得奇怪。
寫生不一樣。
當你面對真實的物體時，
沒有哪一個角度是唯一正確的。
你可以往左看一點、往右看一點，
甚至調整視線的高度。
每一個角度，都可以成為一張畫的可能答案。
不再是「對不對」，
而是怎麼把形狀安排在畫面上，讓它看起來和諧、有節奏。
照片看起來好像比較簡單，
但它其實把你限制在一個固定答案裡。沒有更簡單
照片很適合深入練習。
但如果想學構圖.歸納過濾複雜的資訊，，
還是要回到寫生。
因為只有在寫生的時候，
你才會面臨時間、氣候、場地的限制環境下，
鍛鍊自己的眼睛與大腦
去簡化概括
心理學家叫這個現象 「認知負荷過載」 （Cognitive Overload）：
就像還沒學會 C 和弦，老師說「四種和弦進行都可以試試看即興」，
你會直接放棄，只彈最簡單的根音。
先「臨摹」老師的一種構圖
一模一樣地複製。這就像先背一個樂句。
對著同一風景，套用手法
不給選擇，只給一條明確的規則。
手法變成自動化之後，才給第二種選擇
就像你學會一個樂句後，才開始嘗試改變其中一個音。
齊白石說：「學我者生，似我者死」。
在你腦袋裡只想著要創新，但基本功都還沒有掌握住，反而變成兩頭落空。
所以齊白石這句話是包含兩個階段：
初學的時候
你要跟著老師畫，模仿、學習他的技巧。
到了一定階段之後
你就不能再學得跟老師一模一樣，而是要將學到的東西消化，轉換成自己的風格。
很多人只記住後半句「似我者死」，「學我者生」的階段被跳過了。
直接從「似我者死」開始教，卻忘了學生連「學我」都還沒學會。
「不要模仿」這句話聽起來很酷、很反權威。
但真正的創造力從來不是憑空發生的。先學會規則，才有資格打破規則。
就像金庸小說裡面，有一段是關於張三豐（還是誰我忘了）跟他的弟子說，你還記得剛剛的招式多少？那弟子說還記得一半。張三豐就說：「那繼續打，打到完全忘記。」
《倚天屠龍記》裡張三豐教張無忌太極劍的情節。
張三豐將太極劍招演示一遍後問：「孩兒，你看清楚了沒有？」
張三豐：「都還記得麼？」
張無忌：「已忘記了一小半。」
過了一會兒，張三豐又問：「現下怎樣了？」
張無忌：「已忘記了一大半。」
張三豐再演練一遍，問：「現在呢？」
最後張三豐提劍緩緩畫個圓弧，張無忌低頭沉思片刻，
說道：「這下我可全忘了，忘得乾乾淨淨。」
張三豐笑道：「不壞不壞！忘得真快，你這就上山去罷。」
「你要先有東西才能『忘記』，不是真的忘記，是熟練到不需要思考。」
十幾年後重看他的影片，才發現當初完全沒聽進去的那些話。
大概十幾年前就知道喬瑟夫（Joseph Zbukvic）這位畫家，那時候雖然很認真看他的影片跟著畫，但完全畫不出來。到現在，大概可以畫出個五六成。
發現很多觀念與重點其實都有提到，但十幾年前自己在看影片時，似乎都沒有注意到？
例如「要把畫板放斜」這件事，他說"他不斷地提醒，但就是有人覺得可以反地心引力，然後想做到一樣的效果。他說"那是不可能的!"，因為他的技法就是要靠地心引力讓水往下流的特性。如果你想用自己的方法，那就去用自己的方法，不要來學他這一套。
很多人會站在一個「純水彩的道德高度」，批評他不是一個「真正的水彩畫家」，彷彿把他摒除在外，他們作品就變好了。
他說：他才不在意這些呢～使用不透明或只用半透明的水彩不是重點，重點是最後呈現的效果好不好看。
喬瑟夫說，如果在高處跳在自己的畫作上面，會讓畫有更好的效果，他也會照著做。他才不管那些批評他用不透明水彩的人用什麼技法⋯⋯最終自己的作品會說話。
另外的重點就是「不要管色彩，只要管明暗」，這件事情也極其重要。
但我總覺得要畫出一樣的色彩才對，現在我完全可以理解他講的「放下色彩」這件事。聽起來很簡單，對吧？照著他畫很簡單。但當你眼前看到五花八門的風景時，就是忍不住有照抄色彩的衝動。難在學習放下這個慾望。
他解釋過自己的心路歷程：他開始畫畫時，也想把很多固有色描寫得清楚、精彩，但後來發現這樣會讓整個畫面變得破碎。後來才發現，要專注在明暗就好，所以後來的色調都比較簡單，但整個畫面的氛圍很好。
雖然有人批評他的畫大同小異，但我認真畫過幾張後，發現其實沒有想像中那麼簡單。
就像中國畫——水墨都沒有色彩，不都大同小異嗎？
要把看到的內容簡化，需要大量的練習。而且，心態調整是最困難的。
因為你總會擔心別人看不懂，怕別人不知道你在畫什麼。這種擔心、這種念頭，往往是破壞畫面最大的元兇。
第三個重點，我覺得是最重要的。
Joseph 有提到對大腦下指令：當你告訴大腦「我現在要看紅色的時候」，你才更能夠看到「紅色」。
我做過這種實驗——例如早上出門，路上要記下五種紅色的東西，發現路上就很多東西都是紅色。當你不這樣子下指令的時候，你幾乎回想不起來今天有看到什麼紅色的東西。
就好比我現在問你：你男友（女友）今天穿什麼顏色的衣服？你一定也不會記得。
而一般人寫生的時候，就是處於完全不下指令、任由眼睛看到什麼就抓什麼——「自由導航」的狀態。
主動觀看，而非被動接收——這也許是從 Joseph 的影片裡，我花最久時間才真正理解的一句話。
#作品886號
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所以想要畫到讓人家知道是哪裡"
這個念頭
很大部分把畫面.跟受眾都侷限住了
..而擔心別人認不出..更是把畫面搞砸的最大原因
對語言的認知.就是對世界認知界線 ..
當對"寫"生這兩個字的解讀
A:把景色一五一十的描繪出來 .本質=紀錄
B:練習安排明暗色彩成有美感的畫面 本質= 創作
...
後者就更自由.寬闊.~
