不久前
參加一個寫生活動，
旁邊一個小女生，
穿着漂亮的衣服，有人幫忙撐傘。 拿畫具..
看來家境不錯~~
這媽媽
一直提醒 要先打草稿.要怎麼畫建築..
感覺是學過畫的樣子...~
小女生應該幼稚園大班或者是小學一年級..
一直說不知道怎麼畫~...........
剛開始媽媽一直鼓勵.指導..
少不了一些..嚴厲的提醒..><
""不要畫什麼什麼!!..不可以用橡皮擦!!
不要blablabla!! 要先畫什麼什麼!!"
旁邊我聽了也很緊張....
大概不到 10 分鐘
女孩說:我不想畫了~~~"
媽媽說，"不畫不畫..那走吧，以後都不帶你來畫了!!"
不知道這會不會
無意間熄滅了小朋友想自由畫畫的念頭?
但我相信在這種環境下.即使畫畫也只會偷偷的畫..
因爲感覺不管怎麼畫，大人都不開心..不滿意，而且會批評~~
我想到小時候
家庭雖不算窮困，但也沒有好到讓我去學畫畫
畫畫這個事情.不會去指導也不會禁止
慢慢才知道
不干涉就是一種最好的畫畫環境
能自由畫畫，不需在意別人的眼光，不在意別人的批評...
不管對大人還是小孩
都是一種奢侈
無價
這個問題有簡單的答案，但慢慢教學、學習的過程發現仔細推敲，它其實可以上升到哲學的程度——跟相對論、量子力學一樣，沒有百分之百精確的答案。
回答誰、問誰，會得到不同的答案。
以前我對初學者的定義是：能用水彩畫出方塊、圓形、三角形、直線、曲線、明暗灰。
後來發現，這個定義連我自己都做不到。
所以我即使畫了十年水彩，還是覺得自己是初學者——。
或許抱持學習心態的人都適用「初學者」。
也可以先定義什麼叫「作品」?。
用一個既定印象去想像——上課複製出一模一樣的東西，
就像逛街看到商品買回家，差別在於是 DIY 做出來的?。
我一開始也是先看到某張作品，想複製一樣的成品就好——
就像學樂器想彈出一樣的歌、學料理想做出一樣的菜。
動機都是「複製」。
而畫畫.複製這件事.不像化學實驗，精準量化，就能得到一模一樣的結果——。
所以先不要用「複製」的心態去畫，才不會把「沒複製一模一樣」當成失敗。
科學實驗結果差很多會人命；
但畫畫卻"可能"會產生驚喜的結果，
所以畫畫只需要好奇心
複製能力到一定程度、技術到一定程度後，就會開始追求觀念的進化。
會希望知道老師到底在想什麼——
怎麼把眼前的景象轉換成畫面上的形狀與色彩。
明暗跟色彩都轉換了，反而變得更好看?
為什麼老師會做這種選擇？
後來才知道，原來這就是「構圖」、布局、動線。
還牽涉到人類大腦認知圖像的機制、物理世界，以及光學...。
理解得越多，就發現畫畫不只是在學「畫畫」這件事，
不要尋找標準答案，而是當成多重解答的解謎遊戲：
除了「單純複製」——這種解法。還有哪些？
為什麼我會被這張畫吸引？畫這張畫的人在想什麼。去猜.去嘗試
找出適合你、自己喜歡的那個答案。
一個方向：用形狀、明暗、色彩分析你眼前看到的所有景象。
不去想「這是海、這是船」，去想「這是暖色、那是冷色」「這是三角形、那邊是方形」
至於這張畫最後長什麼樣子，就只是各階段的一個紀念品
或許回頭看十幾年前的第一張畫，畫得真的很爛，
勾起當時的心情——想到「哇，畫成這樣居然自己覺得很厲害」的心情..
像時光膠囊一樣.讓大腦把當時的感受重新生成一次。
這就是超值的收穫。
那些說「憑感覺畫」，
不是他們沒有用理性，
而是他們理性已經內化到變成直覺。
就像一個老司機換檔不需要想：「現在離合器要踩到這裡、油門要加多少」——
他憑「感覺」換檔。
那感覺，是幾千次理性練習之後的結果。
他們的「感覺」，是當年大量練習、試錯、歸納的成果。
理性與感性不是「你要選哪一邊」，
而是：
理性：分析、歸納、建立規則vs 感性：感受、直覺、打破規則
完整的創作者是在兩端來回移動的人。
先把理性學紮實，讓感性有可以站穩的基礎。
如果繪畫完全靠感性，那AI不可能會畫抽象畫
AI不會感覺，卻會畫畫
代表感性可以被歸納的理性結構。
大量被認為是「感性」的東西，其實包含了許多可學習、可統計、可歸納的規律。
但它沒有"產生"|這些經驗的主體。
所以
審美主觀選擇是永遠不會被取代的。
而"選擇"|就來自理性跟感性之間遊走的自由程度
馬諦斯:
創作自由前提奠基於扎實的基礎和嚴格的自我要求。
沒有經過訓練的隨意揮灑不叫自由，那是混亂.隨機；
只有當基本功、色彩理論與構圖原則內化
才能獲得駕馭自如的「自由」。
但一看作品：
「他畫成這樣，怎麼證明基本功重要？
很多人在引用馬蒂斯時，會省略一個前提
馬蒂斯是在擁有寫實能力之後，選擇不寫實。
他追求的自由，是建立在長期訓練之上
寫實能力不是藝術的終點；
而不是：沒有寫實能力，所以主張不寫實。
就像爵士樂老師說：「音階不是音樂。」
但一個學生因此認為：「那我不用練音階了。」那就完全誤解了。
另一種可能又產生一種誤解
"非寫實.寫意.抽象是凌駕在寫實藝術之上。"
如果理解成：
寫實 → 簡化 → 抽象 → 自由
那隱含的價值判斷就是：抽象比寫實高級。
但藝術史其實不是這樣發展的。
藝術史並並非階級鏈
寫實 → 印象派 → 馬蒂斯 → 抽象 → 最高境界。
它比較像一棵樹
例如
Anders Zorn一生都在研究寫實人物。
Joaquin Sorolla直到晚年仍然在追求光線的真實感。
他們並沒有走向抽象.也沒有認為不自由。
真正的問題不是：「寫實或抽象誰比較高級？」
而是：「找到最適合自己的語言？」
如果用音樂比喻：
馬蒂斯像爵士即興。
薩金特像巴哈。
是不同的系統。
藝術史告訴你
自由的終點可能是：
真正的重點是：
畫得像不是終點，畫得不像也不是終點
你理解自己為什麼這樣畫。
有個學生問一個畫家"想學畫畫該不該從臨摹開始？畫家說非常不建議!!."
嗯，...我從小就是從臨摹畫畫開始學的。
如果因為有人說"不該臨摹".就不臨摹了，
那不也是臨摹了別人的的想法嗎？ 。
人類學習本來就建立在模仿上。
語言是模仿
走路是模仿
音樂是模仿
電影分鏡是模仿
漫畫鏡頭也是模仿
「我要有自己的風格」這句話，
很多時候也只是臨摹“原創”的價值觀。
真正的問題從來不是：
「可不可以臨摹」
而是：你是怎麼臨摹？
反對臨摹，其實是在反對：
無意識複製
永遠只會照著畫
不分析
不理解結構
不轉化成自己的語言
這種「影印機式臨摹」。確實危險。
但高階學習幾乎都靠臨摹。
像：
古典畫室一直都在臨摹
日本動畫師會拆原畫
漫畫家會研究分鏡
爵士樂手抓譜
差別在於：
「理解對方為什麼這樣畫」
最近一直在研究的：
負形
構圖
空間
格式塔
鏡頭節奏
其實就是從「抄外表」到研究視覺運作原理。
反而太早追求「原創」，會進入一種很奇怪的狀態：
沒學過經典
沒研究結構
沒吸收語言
卻急著“做自己”
用有限的能力，反覆畫出同一種東西。這其實不是原創
消化大量影響之後，
自然殘留下來的東西。才慢慢變成自己的語言。
臨摹是「輸入」
創作是「重組」
風格是「長期累積後的副產品」
而不是：「不要被影響」。
寫生時，用幾何、簡單形狀構圖，畫出來的作品比較寫意。
學生說「這樣畫跟小孩子畫的好像ㄟ~~」——
表面看起來很像，但本質不同。
控制不了 vs 控制之後再放鬆
